Sismografías de Karen Cheirif

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Sismografías

Esta serie forma parte de un proceso de dibujo en curso que tiene la intención de incursionar en el terremoto interior y que es concebido como una metáfora de un instrumento de medición sísmica, conformando una suerte de “diario sismográfico” en el que los trazos se accionan como medio para la exploración del yo y en donde los recursos gráficos hacen referencia a sensaciones y estados internos.

Body Suit

La exposición colectiva Body Suit  es una propuesta que surge de la participación de importantes tatuadores mexicanos que han rescatado y reapropiado esta tradición por varios años. En un principio sus diseños eran elaborados sobre  cualquier material; madera, acrílicos y papel, actualmente  han formalizado esta práctica al grado de convertirse en una herramienta indispensable.

Ahora estas representaciones son pintadas con tinta y acuarela sobre papel algodón, algunos de los motivos continúan siendo elementos clave de la tradición japonesa como; agua, aire, dragones, flores y tigres, pero también se han integrado a estos a la iconografía mexicana que parte de una antiquísima mitología y tradición puramente mexicana. Con el pasar de los años los tatuadores han aprovechado la libertad que brinda el Body Suit, para elaborar temas totalmente originales que sorprenden al mundo del tatuaje internacional, es por esta razón, que la Casa del Tatuador se ha dado a la tarea de mostrar estos bellísimos trabajos, con el fin de mantener esta tradición buscando importantes espacios y recintos del arte que puedan ofrecer visibilidad a este tipo de creaciones hechas por mexicanos al público en general. Body-suit-I.D (1)

 

Muestra de Video

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MUESTRA DE VIDEO

 

Generación 2007/2008 :

  • “Mignon”, duración: 4’

 

Generación 2010/2011:

  • “El vuelo de los pájaros Dodo”, Apolo Cacho, duración: 1’ 16’’
  • S/T, Nicolás Pereda, 16’ 03’’

 

Generación 2011/2012:

  • “La casa triste”, Sofía Carrillo, duración: 10’
  • “O de Obatalá”, Daniela Libertad, duración: 5’
  • “El amor en tiempos de incendios” Gil González Penilla, duración: 6’
  • S/T , Nestor Jiménez, duración: 10’ 20’’

 

Generación 2012/2013:

  • Extraterrestre, Victoria Karmín, duración : 8’ 08’’
  • Rebote, Nuria Menchaca, duración: 05’ 53’’

 

Generación 2013/ 2014:

  • “H”, Adrián Regnier, duración: 7’ 36’’
  • “Kaiser y su famosa película”, Andrés Eichelmann Kaiser, duración: 9’ 59’’

 

Generación 2014/2015:

  • SoledadES, Carlos Correa, duración: 10’ 15’’
  • S/T, Carlos Matsuo, duración: 7’ 03’’
  • Infinito, Jhasua Camarena, duración: 03’ 20 ‘’
  • Silencio, Manuel Azuela, duración: 01’ 51’’
  • Prisionero 77, Sué Montserrat Jácome Lugo, duración: 05’ 13’’

 

Permanencia Voluntaria:

  • Jimygration, Fernando Frías, duración: 40’ 52’’

Tercer coloquio: El cuerpo como territorio del tatuaje

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El cuerpo como territorio del tatuaje

Es evidente que el incremento en el interés por las prácticas de modificación corporal ha traído consigo cambios graduales en la percepción de las mismas; de ser prácticas marginales, asociadas en tiempos recientes con el elemento criminal, se ha pasado paulatinamente a la exploración de nuevos lenguajes y a la búsqueda de la conquista del cuerpo como un territorio para la experimentación estética. Este proceso se encuentra en constante discusión desde lo social, lo ético, lo legal y lo artístico; aunque en las artes visuales las prácticas del Body Art no son necesariamente recientes, tampoco se convirtieron en un asunto mainstream desde ese territorio: su popularización en gran medida ha obedecido a estrategias de marketing, lo cual ha evidentemente producido vuelcos y choques entre lo que se percibe como tatuaje tradicional y un asunto de moda. A ello podemos sumar la apropiación del tatuaje como práctica artística en artistas como Wim Delvoye, Santiago Sierra y otros, cuyas obras se insertan justamente al centro de esta discusión.

Este tercer coloquio tiene justamente como eje principal abordar particularmente la práctica del tatuaje a partir de distintas perspectivas desde el ámbito teórico, el artístico, el legal y el del propio oficio del tatuador, así como apuntar a nuevas vías en el terreno del tatuaje. En este sentido el coloquio abordará los cambios en las leyes antidiscriminatorias y operativas de esta actividad; al tatuaje desde la perspectiva de las artes visuales como práctica integrada, disciplina artística y como estrategia de representación en el arte contemporáneo, así como la experiencia de tatuadores profesionales que impulsan el rescate de los valores del tatuaje tradicional y su transmisión a nuevas generaciones ante la gran demanda actual. De esta forma, el coloquio pretende ofrecer un panorama del tatuaje actual en México para plantear preguntas encaminadas hacia un análisis crítico del estado de la cuestión y nuevas vías en el cruce entre lo ético, estético y artístico.

Agradecemos la valiosa participación de todos los invitados especiales que nos brindaron su tiempo y experiencia para la realización de este tercer coloquio de tatuaje: La Casa del Tatuador, como vínculo entre la institución y el gremio del tatuaje en México, las ilustraciones de Brandon Hernández, los alumnos del Taller de Intervención Corporal con Tatuajes, impartido por el Maestro Edgard Gamboa y las autoridades bajo la dirección de Carla Rippey de la ENPEG.

Intersticios de Victoria Santaella

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Intersticios, conforma un repertorio de paisajes urbanos y orgánicos, recreados a partir del desgaste de fachadas metropolitanas y de imágenes televisivas. Un desgate materializado, roído y superpuesto.                                                                                                                                         Los escenarios citadinos de esta exposición nos muestran una región en proceso de ser construida, de estructuras y entramados desnudos. Sin embargo, la sensación de progreso nunca está presente, todo lo contrario, las edificaciones parecen haber caído en decadencia antes de haberse erguido.                                                                                                                           Por otro lado, sobre la superficie de setenta polaroids, Victoria Santaella proyecta las icónicas y no programadas barras de color emitidas en televisión, produciendo imágenes afligidas, nebulosas e inciertas. De los cronogramas obtenidos, Victoria atraviesa el tejido de la emulsión como si de un proceso quirúrgico se tratara, utilizando líquidos transparentes que develan el interior de los rectángulos de papel fotográfico. De esta manera, hace aparecer halos tornasol, alucinaciones de la pantalla, formas biológicas accidentales y la huella del instrumental con el cual manipula las nuevas fotografías. Por su naturaleza, el formato instantáneo “Polaroid” es el medio del recuerdo torpe, el marco de contenidos insípidos, que con su rango de color y óptica, transforma cualquier escena banal en encantadora e ingenua. En este caso es utilizada para concebir un ficcionario aparato nostálgico.                                                                                                                                             La exposición se convierte en el hueco que se encuentra entre un cuerpo de producción y otro, recreando juntos, el ciclo de “re-proyección” mental de una serie de recuerdos borrosos. Victoria monta la escenografía de esas memorias de dudosa existencia, para después aislarlas dentro de cajas; acumulando esta red de “souvenirs” artificiales, que se consumen antes de haber existido.

Ivonne Dubois

Relatos para la banda de Jocelyn Nieto

Pintura y gráfica que muestran sensaciones es lo que presentará Jocelyn Nieto Xuti en la exposición Relatos para la banda.

“Es un trabajo que realizo desde hace cinco años, de una serie que aún no concluye y que surgió de mis experiencias con comunidades indígenas en los Altos de Chiapas”, señala la estudiante de sexto semestre en la ENPEG. “Allí empecé a interesarme por sus historias personales como pueblo”.

Alrededor de 20 piezas, entre obra pictórica y gráfica de mediano formato, es lo que ha incluido Xuti en Relatos para la banda. En dichas obras desarrolló conceptos de lucha, amor y aventura relacionados con diversos aspectos emocionales de persona a persona.

“Mi trabajo no es figurativo académico: me voy a la sensación, a personajes que nacen de las leyendas de los pueblos, animales y signos que transformo en sensaciones o vivencias compartidas. La fuerza de mi obra es el manejo del color y la imaginación”, afirma Jocelyn, quien también se representa a sí misma como La Cocodrila Enamorada.

“Lo que plasmo en esta serie son los mundos rechazados, lo que no se quiere ver pero que es parte de la realidad”, señala la también abogada, quien después de tener en sus manos un libro de arte de Jean-Michel Basquiat decidió que ella también podía pintar y, “a través del arte, encontrar mi camino en el derecho”.

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Flamma de Daniel Pérez

12440667_1213210472039717_1582006866096894781_o (1)Daniel Pérez Coronel se inspiró en el libro El pabellón de oro (1956) de Yukio Mishima, donde un monje incendia un templo budista ante la imposibilidad de alcanzar la perfección. Así, Pérez Coronel creó las piezas que integran la muestra Flamma, título que alude al resplandor en la obra de Mishima y que el artista retomó para resaltar la idea de la pintura como acto ritual, de purificación.

A partir de esta reflexión realizó una serie de pinturas de pequeño formato, gráfica, objetos intervenidos y una pieza sonora.

“Estoy investigando la idea del renacimiento: cómo unas cosas se terminan y se vuelven a regenerar. Para ello tomé como motivo principal algunas figuras geométricas y elementos orgánicos. Es una reflexión sobre mi origen y la idea de volver a empezar”, apunta Daniel Pérez.

“Quise tomar la geometría como motivo, porque es lo que me permite expandirme sobre la idea del renacimiento. Sin embargo, no quise tomar el círculo, sino un pedacito de él”, por lo cual, para las 11 pinturas utilizó la figura del cono, el cual va cambiando conforme el patrón original se altera y se introducen elementos distintos a los iniciales. Asimismo, a dos piezas les retiró el bastidor y dejó únicamente la pintura.

“Esto es parte de una investigación para trabajar con más medios. Mi quehacer se centra en la pintura, pero tengo acercamientos con otras disciplinas, en las que aplico técnicas como desplazamientos, fragmentación de objetos o sustracción de elementos. Veo a la pintura como algo más amplio que solo embarrar color en un lienzo”.

Para la mesa con objetos intervenidos, el egresado de la licenciatura en artes plásticas de la ENPEG indica que colocó alrededor de 20 objetos orgánicos, como una papa, madera, semillas y cabello, donde al principio están “nuevos” y al final se verá cómo los afecta el paso del tiempo.

No obstante, las piezas se encontrarán cubiertas por una capa de cera, por lo que los visitantes tendrán que indagar qué trata de decir con cada objeto intervenido. “Me gusta lanzar preguntas que puedan ser muy abiertas. Mi trabajo siempre ha sido bastante hermético para el público. Solo dejo unas migajas. Es un dialogo ambiguo”.

Respecto a la obra sonora, el artista rememora que estudió composición antes de ingresar a La Esmeralda, por lo que dejó la práctica musical que ahora retoma.

Para la exposición alteró un radio con la técnica de circuit bending y así construyó un discurso relacionado con la idea del renacimiento. “Lo que escucharán es una sorpresa”, asegura Daniel Pérez, y agrega que el sonido se reproducirá de manera repetitiva.

A decir de Daniel Pérez, no existen límites entre la pintura y los demás elementos, de allí que todo lo que expondrá se encuentra relacionado y construye su discurso, que en este caso es una especie de ciclo en el cual las cosas nacen y se mueren, aunque también, añade, hay una línea muy delgada entre el renacimiento y la muerte.

La siega y el instrumento sordo

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El tiempo de cosechar también conocido como el de la siega es cuando la afilada hoz corta el fruto del trabajo desarrollado a lo largo del ciclo agrícola. Así, hoy se presenta esta exposición como el fruto de la colaboración entre los artistas Nelson Vergara, Sandra Fuya, Edisson Montero Rincón y Miguel Cortés como resultado de un proceso de intercambio entre México y Colombia.

Perdido en un mundo interno de José Lavin

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Se inaugurará la muestra Perdido en un mundo interno de José Guillermo Lavín García, alumno de La Esmeralda

  • Expondrá 40 pinturas al óleo, carbón y grafito
  • Viernes 15 de enero a las 19:00 en la galería Espacio Alternativo

“Estoy perdido en un mundo interno generado por otro externo; como respuesta, mi cuerpo y alma exigen crear lo que siento y luego transmitirlo, estableciendo una relación directa con la realidad definitiva y mi propia realidad”.

Así se expresó José Guillermo Lavín García, alumno de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, quien presentará 40 de sus obras en la muestra Perdido en un mundo interno.

Esta exposición introspectiva, conformada por pinturas al óleo, carbón y grafito, será inaugurada el viernes 15 de enero a las 19:30 en la galería Espacio Alternativo, ubicada dentro de la mencionada institución educativa.

“La idea principal es poner a la deriva este trabajo pictórico, para que al ser visto por el espectador tenga un sentido más real. Al presentarse dentro de un espacio alternativo, las obras adquieren otro significado, donde no solo es la visión personal del artista, sino que cobran un sentido dentro de la realidad física que compartimos”, declaró Lavín García, estudiante del quinto semestre de la licenciatura en Artes Visuales.

Agregó que los cuadros que se exhibirán fueron seleccionados a partir de un proceso de búsqueda interior. “Hay series de trece o quince piezas, y cada una responde a una búsqueda distinta en diferentes momentos. Mis búsquedas han sido completamente pictóricas y espirituales, y todas las obras son imaginativas e ilustrativas, también hay abstractas que son parte de esa  búsqueda, y de cómo el exterior puede generar un mundo interior en la mente de cada uno de nosotros.

“Mi experiencia con la pintura es transparente y natural, y es a partir de lo pictórico; la mancha, el color y la composición que surge el saber que hay un mar de herramientas al cual uno puede acceder y a partir de eso, crear.  Lo que se construye toma fuerza a la hora de ser expuesto, porque es la relación de una esencia exhibida a un mundo lleno de sensaciones que se comparte”, concluyó el autor.

Perdido en un mundo interno permanecerá en la galería Espacio Alternativo de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda hasta febrero de 2016.

EBC/OOL

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